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Features

Rigour and Risk-taking

Montreal’s Anne Plamondon dances out of her comfort zone
By Kate Stashko

Well known for her work with Rubberbandance and Crystal Pite/Kidd Pivot, Anne Plamondon readies her first solo show, Les mêmes yeux que toi at the Agora de la danse in Montréal.

Currently co-artistic director of Rubberbandance, Anne Plamondon is also an ongoing collaborator with Crystal Pite/Kidd Pivot. But a new phase in her brilliant career comes with the creation of her first full-length show, Les mêmes yeux que toi. It’s a solo work produced in collaboration with theatre director Marie Brassard that tackles an issue that hits close to home: mental instability. Plamondon comes from a family with a history of mental illness and, as she reveals to writer Kate Stashko, “I witnessed [mental illness] from a very young age”. Her honesty and openness around this difficult issue are a testament to Plamondon’s maturity and strength of character, but they also provide a glimpse of the vulnerability underneath this powerhouse of an artist. “This is coming from the performer in me; it’s coming from the need to perform something intense … When I do this I can release my fears; it allows me to be in a zone where there’s danger but it’s okay.”

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Actuellement codirectrice artistique de Rubberbandance, Anne Plamondon collabore aussi avec Crystal Pite/Kidd Pivot. Une nouvelle étape de son brillant parcours s’entame avec sa création d’une première pièce intégrale, Les mêmes yeux que toi. Réalisé en collaboration avec la femme de théâtre Marie Brassard, le solo se penche sur l’instabilité mentale, un sujet très proche de l’artiste. La maladie mentale fait partie de la famille de Plamondon, et elle en parle à la rédactrice Kate Stashko : « J’ai été témoin de maladie mentale très jeune ». Son honnêteté et sa transparence autour de la question sont révélatrices de sa maturité et de sa force de caractère, mais signalent aussi la vulnérabilité d’une artiste fougueuse. « Le solo vient de l’interprète en moi ; j’ai le besoin de danser quelque chose d’intense… Quand je le fais, je surmonte mes peurs. Cela me permet d’accéder à des zones dangereuses, mais c’est correct », explique-t-elle. 

Ballet: Why and How?

A question of indebtedness
By Bridget Cauthery

At a recent international conference held in Stockholm, ballet’s leading stakeholders (including Mavis Staines from Canada’s National Ballet School) pondered the question and plotted a future for classical ballet’s place in dance.

What do we owe ballet? For three days in September, dancers, students, choreographers, teachers and artistic directors from around the world convened in Stockholm, Sweden, for a three-day event entitled Ballet: Why and How? to discuss ballet’s role in the future of conservatory dance training and performance. The conference, co-presented by the ArtEZ School of Dance, Netherlands; The Juilliard School, United States; and the Ballettakademien, Sweden, featured keynote addresses from Lawrence Rhodes, Ohad Naharin, and Mavis Staines, artistic director of Canada’s National Ballet School. In addition, panel discussions on all aspects of training, pedagogy and professional practice brought together a diverse range of stakeholders from the international dance community. The question of our collective indebtedness to ballet is contentious. While many would argue that ballet is the cornerstone of concert dance performance and the pinnacle of artistic expression, just as many would contend that this is an outdated and classicist position. Ballet: Why and How? drew from all sides of the ballet debate, endeavouring to create a forum where the nays were heard as loudly as the yays. 

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De quoi sommes-nous redevables au ballet ? En septembre, danseurs, étudiants, chorégraphes, enseignants, professeurs et directeurs artistiques des quatre coins du monde se sont réunis à Stockhom, Suède, pour un colloque de trois jours intitulé « Ballet: Why and How? », pour discuter du rôle du ballet dans l’avenir de la formation et du spectacle en danse. Présenté conjointement par la ArtEZ School of Dance, Pays-Bas, la Juilliard School, États-Unis et la Ballettakademien, Suède, le colloque présentait des discours-thème de Lawrence Rhodes, de Ohad Naharin et de Mavis Staines, directrice artistique de l’École nationale de ballet du Canada. De plus, des tables rondes sur toutes les facettes de l’entraînement, de la pédagogie et de la pratique professionnelle regroupaient un ensemble diversifié d’acteurs de la communauté internationale de danse. La question de notre devoir collectif quant au ballet est contentieuse. Alors que de nombreuses personnes avancent que le ballet est la pierre angulaire de la danse de concert et le sommet de l’expression artistique, autant maintiennent que c’est une position datée et classiciste. Ballet: Why and How? débattait la question sous tous ses angles dans un effort de faire autant place aux détracteurs qu’aux partisans. 

Tension to Tranquility

The Photos of Aleksandar Antonijevic
By Kathleen Smith

When he’s not stealing the spotlight onstage, he’s composing sculptural, minimalist photographs that catch the eye and stop the heart. Here’s a gallery of portraits by National Ballet of Canada Principal Dancer Aleksandar Antonijevic.

The Ballerina of the Future

Sex, Scandal and Suffering Behind the Symbol of Perfection
By Deirdre Kelly

In an excerpt adapted from her new book Ballerina: Sex, Scandal and Suffering Behind the Symbol of Perfection, Deirdre Kelly argues for a rethinking of ballet and a new understanding and appreciation of its leading ladies.

Throughout her history, the ballerina has been perceived as the embodiment of beauty and perfection. She has been a feminine ideal – unblemished and ethereal, inspiration incarnate. But the reality is another story. In her new book, Deirdre Kelly writes about the struggles of the stars of the classical dance form – from the earliest ballerinas, who often led double lives as concubines to the famous nineteenth-century ballerinas who lived in poverty and worked under tortuous and even life-threatening conditions. In the twentieth century, George Balanchine created a contradictory ballet culture that simultaneously idealized and oppressed ballerinas. The stereotype of the stick thin ballerina with an eating disorder was born. Now, finally, change is afoot and in the contemporary era, social and cultural changes announce a new model ballerina. In this excerpt from Ballerina, Sex, Scandal and Suffering Behind the Symbol of Perfection Kelly argues for a rethinking of the dance form and a new understanding and appreciation of its leading ladies.

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Au fil de l’histoire, la ballerine représente la beauté et la perfection. L’idéal féminin, elle est impeccable et éthérée, elle incarne l’inspiration. La réalité est tout autre. Dans son nouveau livre, Deirdre Kelly se penche sur les défis des vedettes en danse classique, des premières ballerines qui vivaient souvent une double vie comme concubine, à celles du dix-neuvième siècle qui étaient pauvres et travaillaient dans des conditions torturantes et même menaçantes. Au vingtième siècle, George Balanchine crée une culture du ballet contradictoire qui à la fois idéalise et opprime la ballerine. Le stéréotype de la danseuse maigre comme un piquet souffrant d’un désordre alimentaire est né. Maintenant, enfin, l’ère contemporaine témoigne d’une nouvelle réalité, et les changements sociaux et culturels annoncent un nouveau modèle de ballerine. Dans un extrait de Ballerina, Sex, Scandal and Suffering Behind the Symbol of Perfection, Kelly propose une remise en question de la forme de danse, et une nouvelle compréhension et appréciation de la ballerine. 

Sashar Zarif

In Conversation with Elizabeth Langley

Toronto-based dancer and choreographer Zarif and Montréal-based dramaturge Langley meet in Azerbaijan to talk about spirals and grids, mugham and grandmothers, dance and ritual.

Choreographer Sashar Zarif has done extensive research into the ancient tradition of mugham, an art form adopted by different cultures from North Africa to North East Asia and North India. In contemporary times it has been associated mainly with music, but Zarif’s mugham remembers its roots when music, poetry and dance were integrated. Zarif and Montréal-based dramaturge Elizabeth Langley have been working and traveling together in Azerbaijan as part of Zarif’s latest research and creation process. One culmination of this shared journey will be presented December 21st at the George Weston Recital Hall in Toronto when Sashar Zarif Dance Theatre and Danceworks Co-works present Sama-e Rast, a performance featuring Zarif, master singer Alim Qasimov and his Ensemble. This In Conversation features excerpts adapted from Langley and Zarif’s conversations while on the road. 

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Le chorégraphe Sashar Zarif fait une recherche poussée sur la tradition ancienne du mugham, une forme d’art adoptée par différentes cultures de l’Afrique du Nord et du Nord-Est. Aujourd’hui, le mugham est surtout associé à la musique, mais Zarif puise l’intégration de la musique, de la poésie et de la danse qui fait partie de l’histoire de la culture. À l’occasion du dernier processus de recherche et de création de Zarif, il travaille et voyage en Azerbaijan avec Elizabeth Langley, dramaturge établie à Montréal. Un des points culminants du voyage sera présenté le 21 décembre au George Weston Recital Hall à Toronto. À cette occasion, Sashar Zarif Dance Theatre et Danceworks Co-works présentent Sama-e Rast, un spectacle qui met en vedette Zarif, le chanteur maître Alim Qasimov et son ensemble. L’article In Conversation propose des extraits adaptés des échanges entre Langley et Zarif en voyage. 

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By Kathleen Smith

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Bloch Sequin Ballet Slippers

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Real Reality Ballet – The making of Romeos & Juliets

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Wish List Reading: Visions of Sugarplums by Airin Emery, eBook release from Lechner Syndications’ “The Dance Series”.

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Lois Smith’s “Burnaby’s Best Baby” Trophy
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Courtesy of Dance Collection Danse

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Farewell to Writer Leland Windreich (1926-2012); 2012 Walter Carsen Award to Menaka Thakkar; Ballet BC’s New Executive Director Branislav Henselmann

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