logo
Canada’s Dance Magazine
  • PRINT
  • ONLINE
  • LIVE

Back Issue

Features

Smooth Mover

Vancouver’s Josh Martin, with (and without) The 605 Collective
By Kaija Pepper

Independent dance artist and team player both, Josh Martin is a rising star. He’ll be dancing across the country this summer with The 605 Collective and is set to work with an impressive roster of senior choreographers as the year progresses.

West coast dance artist Josh Martin has a six-foot-tall, solidly built hockey player’s body, but moves with the litheness of a panther. So it’s not surprising he has a big presence on stage, though Martin is a thoughtful, and not unnecessarily showy, kind of guy. Just coming into his own as an artist, Martin already has a pretty decent public profile at only twenty-seven years old. He’s known both for his work as a co-director of The 605 Collective, formed in 2006, and also through contracts as a dancer with choreographers such as Wen Wei Wang (with whom he toured the striking duet Cock-Pit) and Amber Funk Barton. Martin is currently part of a movement research project by senior artist Karen Jamieson and he’s already lined up for Wang’s next piece. “I’ll work with Josh as long as he wants to work with me,” says Wang, acknowledging Martin’s busy life juggling independent dance contracts with the needs of the popular 605. “He always understands what I want, but he also gives me something new.”

~

À six pieds, Josh Martin a plutôt le gabarit d’un joueur de hockey bien bâti, mais sur scène, il se meut avec l’agilité d’une panthère. Sa remarquable prestance ne surprend pas, même si en personne, c’est un type réfléchi qui n’attire pas l’attention plus qu’il le faut. Le danseur de la côte ouest commence à prendre sa place comme artiste. Son profile public est bien étoffé pour ses vingtsept ans. On le connaît comme codirecteur du 605 Collective, formé en 2006, et aussi par son travail comme interprète pour les chorégraphes tels que Wen Wei Wang (avec lequel il danse dans la tournée de Cock-Pit) et Amber Funk Barton. Martin participe actuellement à un projet de recherche en mouvement de l’artiste établie Karen Jamieson et il fait déjà partie de la distribution de la prochaine création de Wang. « Je travaillerais avec Josh tant qu’il voudra travailler avec moi », déclare le chorégraphe, tout en reconnaissant la vie occupée de Martin qui conjugue des contrats d’interprète avec les besoins du populaire 605 Collective. « Il comprend toujours ce que je veux, mais il me donne aussi quelque chose de nouveau », ajoute-t-il.

Pictures from an Exhibition

A Season in Reviews – Photographs & Reviews

With text by Kaija Pepper, Philip Szporer, Bridget Cauthery, Mary Theresa Kelly, Ursula Pflug and Kathleen Smith.

Images by Omer Yukseker, Jeremy Gordaneer, Thierry Francis, Don Lee, Chris Randle, Jeremy Mimnagh and Paul Antoine Taillefer

Force of Nature

Dancing the Rite of Spring
By Lucy M. May

In advance of the 100th anniversary of the premiere of Igor Stravinsky’s musical masterpiece, writer/dancer Lucy M. May muses on its enduring power as an inspiration for dance artists, choreographers and audiences.

As it was first named in French, Le Sacre du Printemps has appeared in hundreds of choreographic versions in as many years, but the original piece was particularly significant. Le Sacre du Printemps made its mark on history as a forebear of modernism in music and dance. 

The original Sacre was first performed by Les Ballets Russes at Le Théâtre des Champs-Elysées in Paris, in the spring of 1913. It was a collaboration between the young Russian dancer and choreographer Vaslav Nijinsky, the composer Igor Stravinsky, and a mystic, ethnologist and visual artist named Nicholas Roerich who realized the libretto and designed the set and costumes.

Shelley C. Berg described the creators’ expectations in her excellent book Le Sacre du Printemps: Seven Productions from Nijinsky to Martha Graham (UMI Research Press, 1988). The production was to “portray scenes of the joy of the creation of the Earth and the Heavens in a Slavic conception,” according to Roerich. Nijinsky hoped that it would be “a jolting experience,” one that would “open new horizons flooded with different rays of sun” in which people would “see new and different colors and different lines.” For Stravinsky, it was to evoke “the violent Russian spring that seemed to begin in an hour and was like the whole earth cracking.” Their aspirations were perhaps met with more fervor than they anticipated…
It did not take long for the dissonant melodies and contesting rhythmic structures of Stravinsky’s music, paired with Nijinsky’s heavy, angular movements—both revolutionary for their time—to throttle the audience into competing choruses of insults and encouragement. A volcanic riot ensued and police had to intervene…In addition to fighting against the pandemonium in the room, dancing the choreography was in itself a harrowing task. The final scene of Nijinsky’s choreography showed the ensemble choosing a young woman to dance herself to a ritual death…Bronislava Nijinska, on whom the choreographer created the central role of the finale, felt this violence imploding upon her. “As I envisaged the primitiveness of the tribal rites where the Chosen Maiden must die to save the earth,” she recalled, “I felt that my body must draw into itself, must absorb the fury of a hurricane. Strong, brusque, spontaneous movements seemed to fight the elements as the Chosen Maiden protected the earth against the menacing heavens.”

This pantomimed ritual of death has been copied, altered and omitted completely in different versions of Le Sacre over the past century, yet choreographers consistently find new ways of bringing their dancers to the brink of extreme physical, mental, and emotional effort.

~

Le Sacre du printemps a été décliné en une centaine de chorégraphies en autant d’années, mais son incarnation originale est particulièrement importante. La première s’inscrit dans l’histoire comme annonciateur du modernisme en musique et en danse.

Présentée d’abord par les Ballets russes au Théâtre des Champs-Élysées à Paris en 1913, la création est une collaboration entre le jeune danseur et chorégraphe Vaslav Nijinsky, le compositeur Igor Stravinsky et le mystique, ethnologue et plasticien Nicholas Roerich. Ce dernier produit le livret et conçoit le décor et les costumes.

Shelley C. Berg décrit les attentes des créateurs dans l’excellent livre Le Sacre du Printemps : Seven Productions from Nijinsky to Martha Graham (UMI Research Press, 1988). La production devait « présenter une conception slave de la joie de la création de la terre et des cieux », selon Roerich. Nijinski souhaitait que ce soit « une expérience survoltée… qui pourrait ouvrir de nouveaux horizons baignés d’un soleil autre », et que le public « voie des couleurs et des lignes nouvelles, différentes ». Stravinsky voulait évoquer « la violence du printemps russe qui semble commencer en une heure et qui est comme l’explosion de la terre ». Leurs désirs ont peut-être été plus que comblés… Cela n’a pas pris longtemps pour que les mélodies agressives et les structures rythmiques éclatées opposantes de la musique de Stravinsky, jumelées aux gestes lourds et angulaires de Nijinsky – les deux révolutionnaires à l’époque – déclenchent un tollé, une compétition entre cris d’insultes et d’encouragements. La police a dû intervenir pour calmer l’émeute qui s’ensuivit. En plus de lutter contre le chahut dans la salle, les danseurs avaient aussi la tâche d’interpréter une chorégraphie éprouvante. La dernière scène du ballet de Nijinsky montre l’ensemble qui choisit une femme qui dansera le rite de sa mort. Bronislava Nijinska, pour qui le chorégraphe crée le rôle de la finale, sent l’implosion de cette violence en elle. « Lorsque j’envisageais le primitivisme des rituels tribaux, où l’on élut une vierge à sacrifier pour sauver la terre », se remémora-t-elle, « je sentais que je dus puiser dans mon corps, absorber la fureur d’une tornade. Des gestes forts, brusques et spontanés semblaient combattre les éléments corps à corps alors que l’élue protège la terre des cieux menaçants. »

La pantomime d’une mort rituelle a été copiée, modifiée et omise dans les versions subséquentes du Sacre au fil du dernier siècle. Néanmoins, les chorégraphes trouvent assidûment de nouvelles façons d’amener les interprètes au seuil d’un extrême effort physique, psychologique et émotif.

The Many Rites of Spring

Choreographers just can’t leave it alone. A handful of versions featuring new (and re-constituted) interpretations of Stravinsky’s famous music.

Sylvie Bouchard

In Conversation with Femi James

Dusk Dances director Sylvie Bouchard and Project Coordinator Femi James of The S.P.O.T. (Success Power Opportunity Teamwork), an organization supporting youth in Toronto’s densely populated Malvern community, recently sat down to exchange thoughts about their respective strategies around community development and their continuing collaboration presenting Dusk Dances in Malvern.

Departments

Editorial

By Kathleen Smith

The Rite Stuff

Making Waves

By Kate Stashko

Emmanuelle Le Phan and Elan Hoglund

Inspired!

Showgrrrl and circus contortionist Kristina Nekyia

Know Your Moves

Dancing the “beasts” of ballet

Emerging Views

By Kate Stashko

Triadic Dance Works

Studio Now

Free House Dance Plus, Calgary’s Hidden Gem

What's in your dancebag?

Shivani Thakkar

Healthy Dancer

By Dr. Millie Lytle

Summer Re-charge: Muscle Recovery After a Workout or Performance

Check it Out

Return to a Time When Dissidents Danced

Dance Collection Danse’s Renegade Bodies: Canadian Dance in the 1970s

Marking Time

Quebec Été Danse – Training
By Amy Bowring

Courtesy of Dance Collection Danse

Short Waves

By Amy Bowring, Jaimée Horn, Samantha Mehra

CCA adopts critical business plan; Youth dance conference brings Ontarians together; Canada celebrates its first National Dance Week

Everyday Moves

By MJ Thompson

Dancer in the Ring

You May Also Like...

LISTINGS THIS WEEK