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Canada’s Dance Magazine
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Back Issue

Features

Michael Greyeyes

Hitting His Mark
By Chris Dupuis

Michael Greyeyes started in the hockey rink but built his career on stage and screen as a dancer and actor. In September, he premieres his latest creation, From Thine Eyes, in Toronto.

If it wasn’t for the Russian national hockey team, Michael Greyeyes might never have gotten serious about dance. The Saskatoon-born Cree First Nations artist grew up playing the sport at the same time he was taking drop-in ballet classes at the local university. “At a certain point the teacher said it was time to get serious and I had to start wearing [tights],” he says. “I remember crying on my bed but then my parents told me the Russian national hockey team took ballet to strengthen their ankles. I figured if they wore tights to class it was fine for me too.” At ten, Greyeyes began training at Canada’s National Ballet School and then performed with the National Ballet of Canada before moving to New York and dancing for Eliot Feld. A career turn led him to work in film and television, and eventually to a teaching position in the theatre department at York University. Greyeyes continues to perform and create. His latest dance work From Thine Eyes premieres in September at the Enwave Theatre in Toronto.

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Sans l’équipe nationale de hockey de la Russie, Michael Greyeyes ne se serait peut-être jamais consacré à la danse. Né à Saskatoon, autochtone des Premières nations Cris, l’artiste grandit en jouant au hockey et en prenant des classes de ballet occasionnelles à l’université de la région. « À un moment donné, l’enseignant m’a dit qu’il était temps de prendre la chose au sérieux et de porter un collant, » dit-il. « Je me souviens que je pleurais dans mon lit, mais mes parents m’ont dit que l’équipe nationale de hockey de la Russie faisait du ballet pour développer la force des chevilles. Je me suis dit que s’ils portaient le collant en classe, je pouvais bien le faire aussi. » À dix ans, Greyeyes entre à l’École nationale de ballet du Canada. Par la suite, il danse avec le National Ballet of Canada avant de déménager à New York et de danser avec Eliot Feld. Un changement de parcours l’amène vers le cinéma et la télévision, et ensuite, il est engagé comme professeur dans le département de théâtre à l’Université York. Greyeyes continue l’interprétation et la création. Sa dernière chorégraphie, From Thine Eyes, est présentée en première en septembre au théâtre Enwave à Toronto.

Fighting a "Culture War"?

Louis Laberge-Côté takes on SunTV
By Louis Laberge Coté

In his open letter, distributed on Facebook on June 8th, 2011, Toronto-based dance artist Louis Laberge-Côté responded eloquently to the June 1st SunTV interview with Canadian dance icon Margie Gillis that so enraged the arts community. There’s more to the story.

In his open letter, distributed on Facebook on June 8th, 2011, Toronto-based dance artist Louis Laberge-Côté responded eloquently to the June 1st SunTV interview with Canadian dance icon Margie Gillis that so enraged the arts community. Shortly after the incident, The Dance Current published a video blog entry and a news item in which Gillis comments on the interview. For this issue, we invited Laberge-Côté to reflect on his experience speaking out as he did. He subsequently wrote a longer essay, “The ‘Culture War’: Tools for artists and arts lovers” (which you can find on our website here), in which he tackles some of the key challenges from anti-arts-funding proponents and provides well-researched rebukes. Artists and cultural workers would do well to arm themselves with lucid and compelling responses to the challenging views that Erickson and other right wing conservatives espouse. In taking action and speaking out, Laberge-Côté joins the ranks of a different avant garde in what may indeed become a Canadian “culture war”.

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Louis Laberge-Côté, artiste de danse basé à Toronto, publie une lettre ouverte sur Facebook le 8 juin 2011. Il répond avec éloquence à l’interview qui provoque la colère de la communauté artistique, diffusé le 1er juin à SunTV avec Margie Gillis, icône de la danse canadienne. Peu après, The Dance Current publie une entrée sur son blogue vidéo ainsi qu’une rubrique dans les nouvelles qui comptent les commentaires de Gillis sur l’interview. Dans cette édition du magazine, nous avons invité Laberge-Côté à revenir sur son expérience de prise de parole. Ainsi, il a rédigé un texte plus long intitulé « La “guerre culturelle” : outils pour les artistes et les amoureux des art ». (Vous trouverez la version intégrale du texte sur notre site Web.) Là, il s’attaque à quelques-uns des grands défis posés par les partisans d’un retrait du subventionnement public des arts, et fournit une argumentation rigoureuse. Artistes et travailleurs culturels feraient bien de s’armer d’arguments lucides et irréfutables pour répondre aux perspectives difficiles proposées par Erickson et autres conservateurs de droite. En prenant position et parole, Laberge-Côté s’inscrit au rang d’une avant garde particulière dans ce qui pourrait s’avérer une « guerre culturelle » canadienne.

Marie-Josée Chartier

Photo Essay

A multi-faceted artist, Marie-Josée Chartier moves easily between the worlds of dance, music, opera and multimedia. In October, she premieres her newest solo work, Stria.

Micro/Macro

Dimensions of Dance on Film and Video
By Kathleen Smith

Dance for the screen seems to be simultaneously shrinking and expanding in ways we don’t yet fully understand. But one thing is clear – micro or macro – it is more ubiquitous than ever.

Dance for the screen seems to be simultaneously shrinking and expanding in ways we don’t yet fully understand. But one thing is clear – micro or macro – it is more ubiquitous than ever. Dance has probably never had a higher profile on broadcast television. At the same time, there has been a proliferation of on-demand alternative outlets for dance media consumption such as the New York-based digital network TenduTV, streaming dance content for download. And solo dance goes truly micro with the cell phone app Dances for an iPhone. At the same time as screens are shrinking, dance as big screen cinema also seems to be undergoing a kind of renaissance, from films about dance (Darren Aronofsky’s The Black Swan, for example), to explorations in stereoscopic 3D, to live streaming of major dance productions in cinemas and on screens in public spaces. Add to this the vast galaxy of Vimeo and YouTube-style video sites and you get a popularization and democratization of dance on a scale previously unimagined. Technology can’t prevent humans from communally shared cultural experiences; and in fact the screen can work for and with rather than against the body-based art forms we love.

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La danse à l’écran semble simultanément se condenser et se dilater de façons encore difficiles à cerner avec précision. Chose certaine, à l’échelle micro ou macro, elle est plus omniprésente que jamais. La danse n’a jamais joui d’une couverture si favorable à la télévision. En même temps, il y a prolifération de sources alternatives sur demande pour la consommation médiatique de danse. Par exemple, le réseau numérique basé à New York TenduTV propose un contenu téléchargeable pour la lecture en continu. Et la danse solo adopte véritablement le mode micro avec l’application Dances pour le iPhone. En parallèle à la réduction de la taille des écrans, la danse au grand écran connaît aussi une sorte de renaissance, de films sur la danse (comme The Black Swan de Darren Aronofsky) à des explorations en 3D stéréoscopique, à la diffusion en continu de productions de danse d’envergure dans les cinémas et sur des écrans dans des lieux publics. Ajoutez à cela la vaste galaxie de sites vidéo dans le genre Vimeo et YouTube, et vous avez la popularisation et la démocratisation de la danse à une échelle jusque-là insoupçonnée. La technologie ne peut pas empêcher les expériences culturelles partagées. En effet, plutôt que de leur nuire, l’écran peut favoriser les formes d’art liées au corps que nous aimons tant.

Noémie Lafrance

In Conversation
By Ben Portis

Brooklyn-based Canadian choreographer and director Noémie Lafrance has made her reputation for boldly conceived works set in unlikely locations. Here she talks with MacLaren Art Centre curator Ben Portis about intersections between dance and film.

Brooklyn-based Canadian choreographer and director Noémie Lafrance has made her reputation for boldly conceived works set in unlikely locations. Melt perched dancers on a barren wall. Rapture moved harnessed dancers across the torque roof of a Frank Gehry building. Each of these works generated a short film that disseminated the experiences of Lafrance’s site-specific art to broader audiences. Lafrance has produced over a dozen large-scale, live works and four dance films that have been presented in the USA, Canada and abroad. Her site-specific work uses public space as a stage, transforming ordinary places into adventurous theatrical experiences that trigger the audience’s imagination. Lafrance is currently working on The Rapture Series, a five-year series of dance installations that include video mapping projections, performed on nine Frank Gehry buildings around the world, including an installation tailored to the Art Gallery of Ontario, in conjunction with 2012 Luminato, Toronto Festival of Arts and Creativity. On September 10th, 2011, The White Box Project debuts at Black & White Gallery in Brooklyn, NY.

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Canadienne établit à Brooklyn, l’artiste et réalisatrice Noémie Lafrance s’est fait connaître par des créations de conception hardie dans des lieux inédits. Melt juche des danseuses sur un mur nu. Rapture transporte des danseurs en harnais sur le toit ondulé d’un immeuble de Frank Gehry. De courts métrages sont issus de chaque pièce, permettant la diffusion des expériences de l’art de Lafrance à un public élargi. Elle produit plus d’une douzaine d’œuvres en direct à grand déploiement et quatre films de danse qui ont été présentés aux États-Unis, au Canada et à l’étranger. Son travail in situ se sert de l’espace public et transforme des lieux ordinaires en expériences théâtrales aventureuses qui nourrissent l’imaginaire du spectateur. Actuellement, elle prépare The Rapture Series, une série d’installations échelonnées sur cinq ans, dansées avec surimpressions vidéo, présentées sur neuf édifices de Frank Gehry autour du monde. La série compte une installation adaptée à la Art Gallery of Ontario, en conjonction avec 2012 Luminato, Toronto Festival of Arts and Creativity. Le 10 septembre 2011, The White Box Project est présenté en première à la Black & White Gallery à Brooklyn, NY.

Departments

Editorial

By Kathleen Smith, Megan Andrews

Striving for Articulate Expressions: Notes from Kathleen Smith and Megan Andrews

Making Waves

By Kate Stashko

Jacques Poulin-Denis is turning "delusions" into reality

Inspired!

Crystal Pite

Know Your Moves

Pivot: a basic step across the board

Marking Time

Celluloid Legacy: Dance and the National Film Board
By Amy Bowring

Courtesy of Dance Collection Danse

Emerging Views

By Kate Stashko

Angela Gomm, graduate of Centro Flamenco’s Professional Training Program in Vancouver

Healthy Dancer

By Donna Krasnow

Strengthening the Back of the Thigh

Check It Out

Learn to Speak Dance by Ann-Marie Williams

Short Waves

By Samantha Mehra, Naomi Brand, Amy Bowring

David Earle wins Premier's Award; Kaha:wi Dance Theatre brings together dance and lacrosse; In Memorium - Amelia Itcush 1945-2011

Everyday Moves

By MJ Thompson

Back to the Gridiron, dancing in the end zone

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